Nel film Babygirl (2024), diretto da Halina Reijn, Nicole Kidman interpreta Romy Mathis, una donna di successo, potente e sicura di sé, che sembra avere tutto sotto controllo.
Manager affermata e simbolo di efficienza, Romy incarna l’immagine di chi ha costruito il proprio valore sull’autonomia e sul dominio delle emozioni.
La sua esistenza, ordinata e impeccabile, viene però scossa dall’arrivo di Samuel, un giovane stagista che lavora nella stessa azienda. Il loro incontro, inizialmente casuale, evolve in una relazione ambigua, carica di tensione emotiva ed erotica. Dietro l’apparente gioco di seduzione si nasconde una complessa dinamica di attrazione e potere, che mette Romy di fronte a un progressivo disfacimento delle certezze su cui ha costruito la propria identità.
L’intreccio narrativo segue i loro scambi, spesso sospesi tra desiderio e colpa, controllo e abbandono. La storia si svolge in spazi eleganti, minimalisti e freddi, che riflettono la rigidità interiore della protagonista. Man mano che la relazione con Samuel si approfondisce, Romy è costretta a confrontarsi con le proprie fragilità e con un desiderio che minaccia di incrinare l’immagine perfetta che mostra al mondo.
La vicenda di Romy Mathis è una potente rappresentazione della scissione interna tipica delle personalità forti, iper-controllate e abituate a vivere secondo standard elevatissimi.
Dentro di lei convivono due poli che raramente trovano spazio insieme: da un lato la parte adulta, performante, razionale, capace di mantenere il controllo anche quando tutto vacilla; dall’altro una parte infantile, vulnerabile, sensibile, timorosa e profondamente desiderosa di essere amata non per ciò che fa, ma per ciò che è nella sua essenza più intima.
Questo conflitto, spesso silenzioso, struttura gran parte della sua identità e determina il modo in cui affronta il mondo.
La relazione con Samuel diventa così una sorta di teatro psichico, un luogo simbolico in cui queste polarità possono finalmente emergere. Samuel non è semplicemente un giovane stagista che entra nella vita di Romy in modo inaspettato: egli incarna, quasi senza volerlo, tutto ciò che lei ha represso negli anni. In lui si depositano la spontaneità che ha dovuto sacrificare, la vitalità che ha tenuto ai margini, la libertà che non si è mai permessa davvero.
Ogni gesto, ogni scambio di sguardi tra i due diventa un linguaggio attraverso cui l’inconscio di Romy tenta di rielaborare antiche ferite affettive, in particolare il conflitto originario tra il bisogno di affidarsi a qualcuno e la paura profonda di essere invasa, controllata o annientata dall’intimità.
In una lettura clinica, la storia assume i contorni di una metafora del processo di integrazione psichica. L’eros, liberato dal suo significato puramente passionale o trasgressivo, diventa il veicolo attraverso cui il Sé cerca di ricucire gli strappi interni e di ricontattare la totalità della persona.
Nella prospettiva psicosintetica, la discesa nel desiderio non rappresenta una perdita di controllo, ma un momento necessario nel cammino verso l’unità interiore. Il sentire, la vulnerabilità, la capacità di lasciarsi attraversare da ciò che accade diventano strumenti di verità più che minacce all’equilibrio.
L’opposizione tra potere e resa, tra controllo e abbandono non viene risolta dal film in chiave morale. Non esistono colpevoli né vincitori. Esiste una trasformazione. Romy non “cede” a Samuel: ciò che fa è permettere a sé stessa di accogliere un’energia che per anni aveva mantenuto nell’ombra, un flusso vitale che la attraversa e che chiede di essere riconosciuto.
Quando il Sé si manifesta attraverso il corpo e l’eros, invita a integrare le parti negate, non a distruggerle.
Anche la regia di Halina Reijn contribuisce a questa esplorazione intima e stratificata. Le luci fredde si contrappongono ai corpi caldi, gli ambienti geometrici dialogano con la spontaneità dei gesti, la macchina da presa alterna distanza e prossimità come se seguisse il ritmo delle difese di Romy: a volte si irrigidiscono, altre volte cedono.
Tutto nel linguaggio visivo del film rende percepibile la tensione tra struttura e impulso, tra la corazza dell’Io e la spinta vitale del Sé che tenta di affiorare.
Babygirl non propone risposte né giudizi.
È un film che invita a stare nel movimento interno, a osservare la complessità del desiderio senza categorizzarla.
Romy diventa lo specchio di chi ha costruito identità e sicurezza sul controllo e scopre, paradossalmente, che lasciar andare apre la strada a una forma più autentica di forza.
Non è una caduta, ma un attraversamento. Una possibilità.
Alla fine, ciò che emerge non è la storia di una donna che sbaglia, ma di una donna che si incontra. La libertà nasce dall’integrazione delle polarità, non dalla loro negazione. La vulnerabilità diventa il varco attraverso cui il Sé può manifestarsi, e l’altro (Samuel) il catalizzatore che permette a Romy di guardarsi con occhi nuovi.
Babygirl diventa così una parabola contemporanea sul processo di individuazione: un luogo in cui eros e psiche, controllo e vitalità, Io e Sé imparano lentamente a danzare insieme. Una danza imperfetta, a volte dolorosa, ma profondamente umana, che restituisce allo spettatore la possibilità di ritrovare qualcosa di proprio in quella stessa ricerca di totalità.
